petición de perdón para Morrison

El escándalo desembocó en el arresto del cantante, que se vio obligado a pagar una fianza y tuvo que apelar la condena de seis meses de cárcel, sentencia que nunca llegó a cumplir.
El vocalista de 'The Doors', ídolo de masas que nació en Florida, fue encontrado muerto en una bañera en su vivienda de París en julio de 1971 a la edad de 27 años.
Crist comenzó a considerar la petición de perdón para Morrison en 2007, tras recibir numerosas cartas de seguidores de rockero que le alentaban a hacerlo y encontrar poco convincentes las pruebas presentadas en contra del conocido como 'El Rey Lagarto'. el espectador

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Coconut Grove, sur de Miami

La petición de perdón de Crist recibió el voto unánime de la junta de clemencia para conceder el indulto, en este caso simbólico, puesto que el estado de Florida no realiza procesos para perdones póstumos.
Los hechos se remontan a 1969, cuando 'The Doors' subieron al escenario del Miami's Dinner Key Auditorium (Coconut Grove, sur de Miami) para dar un concierto. el espectador


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Florida concede indulto a Jim Morrison por escándalo público 41 años después

El líder de 'The Doors', fallecido en el 1971, había sido condenado por tener una conducta lasciva y libidinosa en el 69.El gobernador saliente de Florida, Charlie Crist, concedió este jueves el perdón póstumo a la estrella del rock Jim Morrison (1943-1971), quien fue condenado en 1970 por conducta lasciva y libidinosa durante un concierto en Miami en marzo de 1969. el espectador


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Miguel Mateos

Miguel Mateos nació en Buenos Aires, Argentina en el año de 1954. Desde la edad de 15 años se vio involucrado en la escena musical con la participación de su hermano Alejandro, con quien formo el grupo ZAS, con quien logro en la década de los años 80 ser telonero de la mítica banda 'Queen' en su paso por el país gaucho.

Como solista hizo parte de la denominada 'Ola Argentina' con artistas como Charly García, Enanitos Verdes, Soda Stereo, entre otros. el tiempo

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Neurosis

Neurosis, banda conformada en Bogotá en 1987 por Jorge Mackenzie (guitarrista y compositor), se constituye hoy en día en una de las más representativas del metal colombiano.

Hasta la fecha con ocho trabajos discográficos en formato CD, una Gira por Suramérica (1999) que abarcó cinco países (Ecuador, Perú, Bolivia, Chile y Argentina), cinco fechas en Venezuela en 2006 y la invitación especial al Surmetalfest I en Cochabamba (Bolivia) y al Quitu Raymi en Quito (Ecuador), ambas en 2007, y cerca de 60 presentaciones fuera de Bogotá, en diferentes ciudades del país, resumen el trabajo de Neurosis a lo largo de 22 años de metal honesto y sincero. el tiempo


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Festival Súbase al Metal

Para ingresar a este festival solo tiene que llevar un kilo de alimentos no perecederos (cerrado y en buen estado).

El ingreso al público será por la carrera 91 con calle 146. No se permite la asistencia de menores de 14 años y los mayores de esta edad deberán ir con un adulto responsable.

Las bandas que harán parte de 'Subase al Metal' son Torment of Abyss, Geburah, Sursum Corda, Inhumación, Athor, Legacia y Sobibor. Como invitado especial estará la banda Neurosis. el tiempo


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la 'llorona' y la 'varonil'

Está claro que la polémica se desvanece al recordar que en el universo del 2X4 hay cabida para las dos vertientes, la 'llorona' y la 'varonil'. Incluso el mismo arte de Julio Sosa necesitó un equilibrio. Y por eso, a finales de los 50, el director de orquesta Armando Pontier le plantó al lado a Oscar Ferrari, cantor que era su absoluta contraparte. Corto de estatura, enjuto hasta el raquitismo, de ademán delicado y dueño de una dulcísima voz, Ferrari fue por un par de años el complemento perfecto de la exagerada pose de Sosa. A éste lo llamaban, en ese entonces, el Cantor de la Muchachada. Ferrari era, mientras, el Cantor de la Familia. Probablemente en la imagen contrastante de ambos intérpretes juntos se encierre la respuesta final a esta polémica, que en medio del encono demuestra la buena salud de la que sigue gozando el tango. el teimpo


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tango macho

Por una parte, habría que decir que endilgarle a Julio Sosa la creación de algo llamado 'tango macho' es olvidar siete décadas previas de explotación femenina (véase recuadro); situación que no es exclusiva y que comparte con otras manifestaciones populares, como la ranchera. "Salvo pocas excepciones, podemos decir que la mujer tiene en los distintos niveles del tango un papel no sólo secundario sino también inferior: no decide, no piensa, no tiene voz ni voto", afirma la psicoterapeuta Magali Saikin en su libro Tango y género. el tiempo


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Francisco Fiorentino y Ángel Vargas.

Por supuesto, la suya fue la escuela opuesta a la corriente romántica explorada por otros cantores, como Francisco Fiorentino y Ángel Vargas. Acaso el pionero más histriónico de esa corriente haya sido Agustín Magaldi, la Voz Sentimental de Buenos Aires, quien antecedió 30 años a Sosa en el tiempo. Los suyos fueron tangos cargados de desazón y tragedia. Hasta sus intentos más desenfadados parecen cantados al borde del llanto.
Pero Magaldi padece la resistencia de un sector del público, que lo adivina melodramático en extremo. Entonces, entre lo macho y lo llorón, surge la pregunta hecha canción por Cacho Castaña: ¿Qué tango hay que cantar? el tiempo


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Julio María Sosa Venturini

No fue gratuito el apodo impuesto al cantor Julio María Sosa Venturini por el jefe de prensa de su disquera, Ricardo Gáspari. Su voz de barítono, su corpulencia, su apetito pantagruélico (cenaba dos pollos enteros y una garrafa de vino) y su carácter explosivo se resumían en aquel mote, El Varón del Tango, prestigio cultivado además por la escogencia de un repertorio con títulos singulares, como Guapo y varón, ¡Qué me van a hablar de amor!, Bien bohemio, Rencor, Canchero y Lloró como una mujer. De entre todos ellos sobresalen sus dos cartas de presentación: el tango Pa' que sepan cómo soy ("tome nota la gilada / que hoy da cátedra un varón") y el poema Por qué canto así ("porque el tango es macho, / porque el tango es fuerte, / tiene olor a vida, / tiene gusto a muerte"). el tiempo


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'The Rolling Stones' reeditan su discografía en formato vinilo

"The Rolling Stones 1964-1969 Vinyl Box Set" incluye sus primeros discos y dos EP's (siglas de Extended Play) remezclados, así como dos recopilaciones de grandes éxitos. En total son 13 discos: "The Rolling Stones" (EP), "The Rolling Stones", "Five by Five" (EP), "The Rolling Stones No. 2", "Out Of Our Heads", "Aftermath, "Big Hits (High Tide and Green Grass)", "Between the Buttons", "Their Satanic Majesties Request", "Beggars Banquet", "Through the Past", "Darkly (Big Hits Vol. 2)", "Let It Bleed" y "Metamorphosis". "The Rolling Stones 1975-200 Vinyl Box Set" recoge el resto de su discografía, con otros 14 vinilos: "Sticky Fingers", "Goats Head Soup", "It's Only Rock and Roll", "Black And Blue", "Some Girls", "Emotional Rescue", "Tattoo You", "Undercover", "Dirty Work", "Steel Wheels", "Voodoo Lounge" (álbum doble), "Bridges To Babylon" (album doble), "A Bigger Bang" (álbum doble) y "Exile On Main Street" (álbum doble). Esta edición limitada para coleccionistas permitirá a los más acérrimos seguidores de la banda británica escuchar en su formato mono original algunas de las composiciones míticas como "I Can't Be Satisfied" o "Time Is On My Side", además de disponer en su fonoteca de algunos de estos discos, que llevaban décadas sin aparecer en formato vinilo. el tiempo

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El dúo francés de trip-hop Air tocará en Bogotá

Nicholas Godin y Jean-Benoit Dunckel conforman una de las propuestas más llamativas de la música electrónica de vanguardia proveniente de Francia. Por primera vez, AIR estará en Bogotá, en un concierto en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, que promete ser una cita con su mundo de atmósferas sonoras. Su música es la evolución del llamado ambient pop, que crearon en su momento hombres de avanzada como el británico Brian Eno. Sin embargo, en medio de la experimentación, lograron desarrollar un estilo característico y muy cálido que también tiene mercado en la escena comercial. Teclados análogos y sintetizadores de la vieja escuela se combinan con las programaciones electrónicas. Así, desde 1998, con el album Moon Safari, sorprendieron al mundo y crearon una marca que tiene un gran reconocimiento. Otros trabajos destacados de este dúo son The Virgin Suicides (banda sonora de la película del mismo nombre), Talkie Walkie y Pocket Symphony. Actualmente promocionan su nuevo álbum, titulado Love 2. el tiempo

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Noche de música en vivo con talento nacional en Boogaloop

Boogaloop los invita, este sábado, 16 de octubre, a una noche de música en vivo con las presentaciones exclusivas de: Los Plankton, Monsieur Periné, Mmodcats, Salidos de la cripta y Radio Psikosis. Una noche llena de Psychobilly, Rocknroll, Gypsy jazz, Swing, Folk con un cover de $10.000 pesos. A las 8:00 p.m. emergen de las profundidades los Salidos de la Cripta. Un trío de psychobilly capitalino que trae rock and roll como se hacía en antaño con batería, contrabajo y guitarra acompañado de letras siniestras. Radio Psikosis se subirá al escenario a las 9:00 p.m. con su sonido principalmente instrumental, cargado de reverb y estructuras clásicas del rock de los 50's y 60's con influencias de punk, horror, psychobilly, rockabilly, entre otros. Los cuatro integrantes Mmodcats llegarán con su ensamble clásico de rock y una puesta en escena teatral y elaborada a las 10:00 p.m. A las 11:00 p.m. los seguirá la banda Monsieur Periné, grupo que nació hace más de dos años con la intención de explorar el jazz. A la media noche la banda de instro surf rock, Los Plankton, cerrará las presentaciones en vivo, y por último se subirá el dj residente de Boogaloop para ponerlos a bailar hasta la madrugada. el tiempo

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Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.

 Entre los artistas colombianos —que iban desde agrupaciones llaneras, de la Costa Atlántica y hasta de Pasto— se encontraba también un grupo encargado de mostrar los aires de la marimba del Pacífico Sur, ahora Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Ellos tocan con un bombo arrullador y golpeador, un cununo macho y uno hembra, varios guasás, voces y por supuesto la marimba, ese instrumento desde el cual se han ido formando figuras icónicas, casi míticas, como José Antonio Torres ‘Gualajo’ y Hugo Candelario González.el espectador

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la preservación y estudio de expresiones culturales inmateriales

La semana pasada se reunieron en Mompox un grupo de expertos y artistas dedicados, ya sea a la preservación y estudio de expresiones culturales inmateriales, o a la recreación de éstas, en un evento organizado por la Corporación para la Promoción y Difusión de la Cultura en conjunto con la Unesco y otras entidades relacionadas con el tema. El evento cuenta con la participación de más de 10 países y delegaciones artísticas de México, Perú, Venezuela, España y Colombia. el espectador

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“opuesto a la forma”

La Real Academia de la Lengua Española define lo inmaterial como algo que carece de materia, “opuesto a la forma”. Sería entonces todo eso que no es forma, que es espíritu. El pasado 15 de noviembre, los aires de la  marimba del Pacífico sur colombiano y el palabrero wayuu fueron declarados Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. Ahora surge una pregunta: ¿Cuáles son los beneficios de la declaratoria y cuáles los retos que enfrenta el Estado colombiano para salvaguardar las expresiones culturales escogidas?. El espectador

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¿Cómo es que suena esa marimba?

Preservar una tradición como los aires de la marimba de chonta podría poner en riesgo su naturaleza folclórica. Al masificar la producción de estos instrumentos se podrían perder elementos musicales  imposibles de estandarizar. El espectador


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Stone Temple Pilots en Bogotá

Stone Temple Pilots nació en el año de 1992,  bajo el nombre de Mighty Joe Young. Scott Weiland y Robert DeLeo, después de una disparatada coincidencia de salir con la misma mujer, buscaron formar una banda juvenil de garaje a la que después se unirían Dean DeLeo y Eric Kretz.

Cambiaron su nombre debido a que existía una banda homónima de jazz. Así que las iniciales STP llamaron su atención, pensando en Shirley Temple's Pussy, aunque su sello discográfico declinó la idea, quedando finalmente como Stone Temple Pilots. 

Su vocalista, Scott Weiland encontró en la fama problemas de adicción, los cuales causaron dificultades en su vida personal y profesional, llevando a la disolución de la banda en múltiples ocasiones. 

Entre sus más grandes éxitos se encuentran: 'Plush', 'Interstate Love Song', 'Creep', 'Sour Girl', 'Days of The Week' y 'Hollywood Bitch'.

La discográfia de Stone Temple Pilots cuenta con seis álbumes: 'Core' (1992), 'Purple' (1994), 'Tiny Music... Songs from the Vatican Gift Shop' (1996), 'No. 4' (1999), 'Shangri-La Dee Da' (2001) y su más reciente álbum 'Stone Temple Pilots' (2010). El Tiempo

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Aguilera..Historia Discográfica

Aguilera, nacida en diciembre de 1980, dio sus primeros pasos artísticos como parte del elenco de "The All New Mickey Mouse Club", en la temporada 1992-93, junto a los entonces actores adolescentes Britney Spears y Justin Timberlake.

En 1999 debutó en el mundo de la música con el disco Christina Aguilera que llegó a ser número uno de la clasificación Billboard 200, y vendió más de ocho millones de copias solamente en Estados Unidos.

Luego repitió el éxito de ventas en 2006 con el álbum "Back to Basics", con el que logró que cuatro de sus temas figuraran entre lo más escuchados entonces: "Genie in a Bottle", "What a Girl Wants", "Come On Over Baby (All I Want Is You)" y "Lady Marmalade".

Entre 2000 y 2006, Aguilera obtuvo cuatro premios Grammy.El Tiempo

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Aguilera obtiene estrella de la fama

La artista de 29 años asistió a la ceremonia junto a su representante y el presidente de la productora del musical que se estrenará a finales de noviembre.

Con un vestido corto y de escote, blanco de la casa Dior, Aguilera posó para los fotógrafos y cientos de fanáticos que se acercaron a este evento en el barrio más turístico de Los Angeles: el Paseo de la Fama de Hollywood.

"Siempre he sido muy trabajadora. Me gusta aprender de los demás y tener nuevos desafíos", dijo el domingo a la AFP Aguilera al ser consultada sobre este reconocimiento de la industria, mientras promocionaba la película "Buslesque en un hotel de Beverly Hills.

"Pienso que eso es todo lo que me está pasando en la vida ahora. Muchos cambios, una película, un nuevo disco (en el futuro próximo) y una estrella de Hollywood", dijo la cantante que junto a Cher compuso cuatro piezas para el musical.El Tiempo

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"no me voy a morir" Belanova

Asimismo explicó que durante el proceso creativo en su país natal, salieron ideas muy diferentes que ahora se escuchan como en la canción 'No me voy a morir' que tiene una sesión de cuerdas. "Escuchar una sesión de cuerdas, así completa, con cornos franceses es impactante", recordó la joven de la grabación co-producida por Armando Ávila (RBD, Belinda, Gloria Trevi, Luis Fonsi).El Tiempo

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Vocalista de Belanova

Guerrero se refiere a que con 'Sueño Electro I', que salió a la venta el pasado 26 de octubre, el grupo exploró más allá de su habitual sonido electro-pop para dar paso a ritmos clásicos, dance, rock e interpretación a capela.

En éste, su cuarto álbum de estudio, Belanova trae diez temas entre los que destaca 'Pow pow' que es "bastante tribal, con mucha percusión". "Yo, por lo menos estoy contenta con esa canción", opinó la cantante durante la entrevista en la que estuvo acompañada de Edgar Huerta (teclados y secuencias) y Richie Arreola (bajo).El Tiempo

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'Sueño Electro I', lo nuevo de Belanova

Sueño Electro I', en el que las letras de sus canciones se acompañan de sonidos con los que nunca antes había experimentado y cuyo resultado califican de "caprichoso", es el nuevo trabajo musical de Belanova.

"Porque así son las canciones. La música está flotando y nosotros, de alguna manera, tenemos la sensibilidad de captarla. Tú la tomas y tienes que darle su lugar a cada canción", dijo a Efe Denisse Guerrero, vocalista del trío mexicano.El Tiempo

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Orozco, en palabras

"Yo casi no tengo amigos de la universidad de Viena, porque al terminar clases todos salían corriendo a estudiar o a ensayar. En cambio, en Colombia al final de las clases todo el mundo se quedaba conversando y tomando gaseosa".
"En la universidad los austriacos nos hacían sentir limitados porque veníamos de un país que no tiene el bagaje cultural de Europa, y lo peor es que hasta cierto punto tenían razón. Para ellos una sinfonía de Mahler es lo más normal y para nosotros no: sólo hace unos años se tocó por primera vez una sinfonía de Mahler en Bogotá, y en Medellín apenas se habrá tocado un par de veces".
"En Europa he podido alcanzar cosas importantes con el paso del tiempo, mientras que acá logros iguales o menores siempre se enredan por las razones más absurdas". El tiempo

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Tonkünstler

Además de dirigir la Tonkünstler y la Euskadi, a los 33 años de edad, Andrés Orozco-Estrada ya ha sido director invitado de orquestas como la Filarmónica de Múnich, la Filarmónica de Hamburgo, la Sinfónica de Dusseldorf y -¿cómo no?- la Filarmónica de Viena. Ese es el envidiable palmarés de una estrella en ascenso, cuya exitosa carrera tendrá esta semana una escala en Colombia, que nadie puede perderse.El tiempo


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Biografia de Andres Orozco

Cuando Andrés se graduó del colegio, se ganó una beca para estudiar en la Universidad Javeriana de Bogotá, donde permaneció un par de años hasta que se dio cuenta de que debía viajar a Europa si quería seguir avanzando en su formación musical. Sin hablar casi alemán, con pocos conocimientos de piano y cifrando todas sus esperanzas en su aptitud para dirigir, viajó con otros tres colombianos a Austria con el propósito de estudiar en la Academia de Música de Viena. Allí sólo había diez cupos para de cien aspirantes, y entre los elegidos quedaron dos colombianos: Andrés y otro alumno de su colegio.
Su ingreso al mundo de las orquestas de Viena también fue cuestión de dedicación y sentido de la oportunidad. Cuando estaba en el último año de la universidad, un amigo le pidió dirigir una obra suya en un concierto de la Orquesta Tonkünstler. El resultado fue tan bueno, que el gerente de la orquesta le pidió que trabajara como asistente, una labor que lucía poco glamorosa, pero que no tardó en rendir frutos. La primera incursión de Andrés al frente de la Orquesta Tonkünstler, en 2004, fue celebrada por la prensa local como "un milagro en Viena", y en 2007 fue elegido director titular de la agrupación, labor que inició en 2009 por un periodo de tres años. A su trabajo en Viena pronto se sumó una estrecha labor con la Orquesta del País Vasco (Orquesta de Euskadi), que lo llevó a ser elegido su director titular a partir del año pasado.El tiempo


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la vida de Robert Johnson

En febrero de 1929 contrajo matrimonio con Virginia Travis, de 16 años. Poco después ella quedó embarazada y finalmente murió en el parto junto con su criatura en abril de 1930. Johnson se casó por segunda vez con Esther Lockwood, madre de Robert Lockwood Jr., que más tarde se convertiría también en intérprete de blues, siguiendo las huellas de su padrastro.
Después de varios años actuando por todo el sur de EE. UU., tuvo la oportunidad de dejar registradas sus 29 legendarias canciones. Son 42 grabaciones (13 de los temas fueron grabados 2 veces), registrados en dos sesiones de grabación: la primera en San Antonio (Texas), los días 23, 26 y 27 de noviembre de 1936; la segunda en Dallas (Texas), el 19 y el 20 de junio de 1937.
Su muerte ocurrió en circunstancias extrañas. Se cuenta que fue envenenado con whisky por un marido celoso, dueño de un bar en el que Johnson actuaba. Algunos dicen que murió de neumonía, otros que de sífilis. Su certificado de defunción apunta que falleció el 16 de agosto de 1938, en Greenwood, estado de Misisipi y que no hubo autopsia. wikipedia

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Biografia de Robert Johnson

Nació en la población de Hazlehurst, estado de Misisipi, Estados Unidos el 8 de mayo de 1911 (aunque probablemente este año sea erróneo), su madre era Julie Ann Majors (Julie Dodds), hija de esclavos que tuvo a su hijo con un jornalero que pasó en esa ocasión por el poblado llamado Noah Jonhson tras separarse momentáneamente de su esposo Charles Dodds Jr., un carpintero que gozaba de prosperidad, tiempo después ella regresó con Charles (ahora apellidado Spencer) pero su relación no duró mucho.^[5] Johnson creció con el apellido Spencer, sin saber que Charles no era su padre biológico, y la familia se estableció para 1918 en Robinsonville, años más tarde su madre le confiesa a Robert que es hijo de Noah Johnson, por lo que pasa a adoptar el apellido de su verdadero padre.^[5] Desde pequeño Johnson mostró interés por la música, primero por el arpa y luego por la armónica. Fue enviado al colegio pero no demostró demasiado interés por el estudio, abandonándolo bajo la excusa de un problema en la vista en 1927 wikipedia

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Robert Johnson

Robert Johnson nacido como Robert Leroy Johnson (8 de mayo de 1911 – 16 de agosto de 1938) fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues conocido como "El Rey del Delta blues." Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones. Su enigmática vida, pobremente documentada, y muerte a la edad de 27 años han dado lugar a la creación de muchas leyendas sobre su persona. Es considerado como el "El Abuelo del Rock-and-Roll", su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo de tocar la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, Queen, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama "El más importante músico de Blues que haya vivido".^[2] Ocupó el 5º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone.^[3] Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de "Early Influence" (Influencias tempranas). wikipedia

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origen del término rock and roll

En 1951, el disc jockey estadounidense Alan Freed comenzó a transmitir por radio rhythm & blues y música country para una audiencia multi-racial. A Freed se le ha atribuido ser el primero en utilizar la expresión "rock and roll" para describir la música que difundía; su uso también se le ha atribuido a Leo Mintz, patrocinante de Freed, quien lo impulsó a difundir ese estilo de música.^[5]
La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música negra que difundía, que solía contenerla en las letras de las canciones, como el tema Rock and rolling (1939) de Bob Robinson, Rock and rolling mamma (1939) de Buddy Jones y Cherry Red (1939) de Joe Turner.^[6] Tres diferentes canciones con el título Rock and roll fueron grabadas a fines de la década de 1940, creadas por Paul Bascomb en 1947, Wild Bill Moore en 1948 y Doles Dickens in 1949. Para entonces la expresión era de uso común en las letras del R&B.^[6] En 1949 Erline Harris, grabó el tema Rock and Roll Blues, en el que repite constantemente la expresión y que le valió el apodo de Erline "Rock and Roll" Harris.^[7]
La expresión también fue incluida en 1950 en la publicidad del film Wabash Avenue, protagonizado por Betty Grable y Victor Mature, donde se decía que Grable era "la primera dama del rock and roll". wikipedia

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El vocablo "rock" deriva del término rock and roll

El vocablo "rock" deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: "un género musical característico y popularizado en los 50"^[4] (que se corresponde con la definición de rock and roll^[3] ) y cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll,^[4] (que sería la definición del género contemporáneo música rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll). Sin embargo, independientemente en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música "rock and roll".
Por otro lado, aunque el Diccionario de la lengua española en su vigésima segunda edición reconoce el término rock and roll como voz inglesa a modo de anglicismo,^[3] en el avance de la vigésima tercera edición el artículo ha sido enmendado tomando rocanrol como término en español derivado del inglés. wikipedia

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Rock and roll

Rock and roll, rocanrol, rock'n'roll^[1] o meramente rock^[2] (aunque este último es usualmente usado para su evolución contemporánea) es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense (rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los más destacados) y popularizado desde la década de 1950, siendo su cantante más influyente Elvis Presley, su guitarrista mas influyente Chuck Berry y sus bandas más influyentes The Beatles y The Rolling Stones .^[3]
La expresión venía utilizándose en las letras del rythm & blues desde fines de la década de 1930, pero fue el disc jockey estadounidense Alan Freed quien comenzó a utilizar la expresión "rock and roll" para describir ese estilo. wikipedia

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al-Ándalus.

Sin embargo hay testimonio de pervivencias paganas y latinas en al-Ándalus. En este sentido se utilizaba la palabra zamra para definir las unas fiestas profanas mozárabes cuya celebración en la península Ibérica era anterior a la llegada del Islam. En estas "zamr", de cuyo nombre deriva la palabra zambra, se cantaban coplas en lengua mozárabe, se bailaba y se bebía vino. Asimismo el surgimiento en suelo andalusí de géneros poéticos distintos a la clásica qasida árabe, como son el zéjel y la moaxaja, y especialmente las jarchas, que son remates líricos a modo de estribillo que constituyen la lírica romance más antigua de Europa, también apunta hacia el carácter original y sincretico de al-Ándalus.
La presencia judía en la Península Ibérica desde la Antigüedad como consecuencia de la diáspora, continuó en tiempos de al-Ándalus, aunque no hay noticias concretas de su influjo musical durante este periodo.
En el campo de la música tradicional, a lo largo de la primera mitad del siglo XIII la conquista castellana de Sierra Morena y el Valle del Guadalquivir, que incorporó este territorio a la Corona de Castilla, trajo consigo al territorio de Andalucía las letras y la música del romancero castellano. Del mismo modo la música culta castellana, especialmente la religiosa, según el rito romano, empezó a cultivarse en las tierras andaluzas. La influencia de la población mudéjar durante este periodo no está clara, teniendo en cuenta que gran parte de ella fue expulsada tras la Revuelta de 1264.

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Edad Media en la musica de andalucia

La Invasión musulmana de la Península Ibérica iniciada en el 711, se efectuó de manera bastante rápida y con poco aporte de población foránea, en torno a un 2% de árabes y un 8% de bereberes. Por ello la cultura musulmana árabe se mezcló con un potente substrato latino, creándose una cultura sincrética muy vinculada a la clásica, original y diferenciada dentro del conjunto del Dar al-Islam.
El territorio de la actual Andalucía, como el resto al-Ándalus, quedó desconectado de las grandes reformas musicales impulsadas por el papa Gregorio Magno en el Occidente Cristiano, sobreviviendo en el territorio andalusí el rito mozárabe y su canto, con modos musicales propios y diferenciados de los del resto de la Europa cristiana. La influencia oriental, que ya estaba presente en la formación del canto mozárabe, se vio reforzada por la presencia de músicos bizantinos en la corte cordobesa y por la reforma musical de Ziryab en el califato.

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La edad antigua d ela musica en andalucia

Durante la Antigüedad varios autores latinos mencionan que las muchachas gaditanas (puellae gaditanae), de origen tartésico, que cantaban y bailaban acompañadas por las baetica crusmata (una especie de crótalos), y cuyos bailes rítmicos y sensuales llevaban al paroxismo, eran de las más apreciadas en las fiestas romanas. Posteriormente el cristianismo empezó a penetrar en la Bética en torno al siglo II y fue consolidándose fuertemente en dicho territorio hasta el VIII, en que se produjo la islamización de la península Ibérica. Este cristianismo primitivo y, en consecuencia, su música, estaba muy impregnado de las culturas latina, griega y judía.

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el canto con caja

En Argentina el canto con caja tiene tres canciones y multiples repertorio de ellas: baguala, tonada y vidala. Cada una pertenece a un sistema musical diferente... Grito en el cielo nos instala en el canto ancestral con una tecnica de expresion milenaria y poderosas melodias. Los sagrados cantores de los valles, los «vallistos» que descienden de los siglos andinos nos estan esperando en los cerros del noroeste argentino para revelarnos otra dimension del canto, terrestre y sideral. Al escucharlos aterrizamos en America y la descubrimos. Sus discursos de cantores es la suprema desnudez: solo tres notas escalofriadas por la voz del abismo. Este rayo nos inicia en el canto planetario que establece la jerarquia del grito y el lamento como sacralidades del iniciado. wikipedia


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Área centro-andina

Las culturas del área centro-andina se caracterizaron por haber desarrollado civilizaciones agrocerámicas sedentarias. Estas culturas han tenido una alta influencia en el folclore argentino «andino», tanto con referencia a los instrumentos, como a los estilos musicales, las líneas estético-musicales, e incluso el idioma, principalmente el quechua. Entre los instrumentos su influencia ha sido decisiva para el desarrollo de los instrumentos de viento, característicos del folclore andino, como el siku, la quena, el pincullo, el erque, la ocarina de cerámica, etc., construidos generalmente en escala pentatónica, así como la caja, que ocupa un papel central en el canto bagualero.
Entre los estilos musicales indígenas, aportados al folclore argentino, se destaca la baguala, procedente de la nación diaguita-calchaquí.^[5] También el yaraví, antecedente de la vidala, y el huayno, provienen de la civilización andina prehispánica.^[6] El carnavalito jujeño, danza prehispánica de gran importancia folclórica, ya se bailaba en la zona norte a la llegada de los europeos.^[7] La chaya, que luego caracterizaría al folclore riojano, también proviene del arte diaguita dedicado a celebrar la cosecha.^[8]
Leda Valladares, especialmente, ha puesto de manifiesto la importancia del canto con caja en la cultura andina. wikipedia

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Raíces indígenas precolombinas

Salvador Canals Frau en su libro Prehistoria de América, enseña que la música, junto al canto y la danza, posiblemente aparecieron en América junto con los primeros seres humanos que llegaron a ese continente.^[3] Entre los primeros instrumentos musicales encontrados en Sudamérica, se encuentran la flauta primitiva y la churinga, está última de gran difusión en Australia y que está especialmente presente en las culturas patagónicas, una de las similitudes tenidas en cuenta por el antropólogo Antonio Méndes Correia, para sostener su hipótesis sobre el origen australiano del hombre americano y su ingreso por el extremo sur del continente.^[3]
En el actual territorio argentino existieron cuatro grandes áreas de culturas indígenas: la centro-andina, la mesopotámica-litoraleña, la chaqueña y la pampeana-patagónica. Las dos primeras caerían bajo dominio español a partir del siglo XVI, pero las dos segundas se mantendrían independientes hasta fines del siglo XIX. El Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega posee una colección de más de 400 instrumentos musicales indígenas y folclóricos, cada uno de ellos con su respectivo análisis organológico, algunos de los cuales pueden ser vistos en el Museo Virtual de Instrumentos Musicales que el mismo mantiene en su sitio web. wikipedia



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